Perros de la calle (1992) - Quentin Tarantino

Comentario:

Una banda organizada, por delincuentes de otras ciudades con identidades desconocidas; son contratados para atracar una empresa y llevarse unos diamantes. Sin embargo, antes de que suene la alarma, la policía ya está allí. Algunos miembros de la banda mueren en el enfrentamiento con las fuerzas del orden, y los demás se reúnen en el lugar convenido.

Un tema importante que no se debe pasar por alto, es la capacidad del director de narrar sin mostrar al espectador pasajes claves, de plantearnos la historia fragmentada en capítulos no cronológicos de un atraco que no vemos, con títulos que nos dan una idea de lo que tratara ese fragmento. Ese manejo sutil de la narración pausada, a través de soberbios diálogos que aparentan ser sin importancia e intranscendentes, arrastra de forma muy rápida, como una montaña rusa al espectador que se presta a ello. Es decir, aquel espectador que trata de recomponer las piezas de la historia. Porque, en esos diálogos superficiales hay una demostración de la condición de cada uno de los integrantes de la banda;  todos sus roles que cumplen los personajes están prodigiosamente bien planteado dentro de la película. Aunque sólo en su conjunto, a su conclusión, es cuando se encajan los mecanismos planteados en la acción. Gracias también al soberbio trabajo de montaje y apoyado en unas interpretaciones brillantes.

Mississippi en llamas (1988) – Alan Parker

Comentario:

El guion de este filme se basa en un hecho real sucedido en los Estados Unidos, pero trata  de algo más que del racismo en el cual se encuentra ese país, derechos civiles y el accionar malévolo de un grupo del Ku Klux Klan;  nos habla también de dos policías federales, con visiones de mundo totalmente diferentes, pero que conforme la historia se va desarrollando llegan a un punto de concertación, logrando compartir un mismo ideal, impartir la justicia que cada crimen merece, sin importar contra quien sea. Por otro lado nos muestra el funcionar del sistema, o más bien de cómo debería funcionar; en realidad la dualidad planteada está representada en los federales que optan hacerlo funcionar el sistema y de la ética que ello implica; por un lado completamente opuesto están las autoridades del pueblo que no dejan que el sistema tome un rumbo adecuado.

Todo lo antes mencionado esta perfectamente recreado en una excelente ambientación, y resaltado por su premiada fotografía; logran captar el aspecto más indecente de cada personaje que son las representaciones de los pobladores de tierras sureñas, fiel muestra de una sociedad decadente, anclada en el pasado y marcada por el odio, el miedo y la sinrazón que aún hoy quedan rezagos en muchas ciudades norteamericanas.

Taxi driver (1976) - Martin Scorsese

Comentario:

Nos introduce a la vida de Bickle, interpretado por Robert de Niro, una persona solitaria y explosiva que lastimosamente no puede encontrar el amor; por tener problemas de socialización con las personas. Este film nos muestra la visión del mundo que un soldado americano tiene después de su regreso de la guerra, el cual encuentra deteriorado, planteando como solución la limpieza de las calles y así combatir la delincuencia, prostitución, etc. Contextualizada después de la guerra entre Estados Unidos y Vietnam, esta película documenta la situación social del país norte americano y nos pone en frente los intentos que realiza Bickle por reinsertarse a una sociedad de la cual está cansado. La cuidad es recorrida por él como taxista, todas las noches, percibiendo la podredumbre en la que se encuentra su vecindario.

A lo largo de la película somos testigos de la metamorfosis del personaje principal, de ser un taxista con algunos trastornado mentales, se convierte en una especie de súper héroe nocturno, purgando las calles de la maldad. Uno de los detalles más resaltantes, lo podemos encontrar en el final de la película, al contarnos el destino de los personajes de una forma rápida, en recortes de periódicos, aunque a la vez dejando el final abierto.

Toma el dinero y huye (1968) – Woody Allen

Comentario:

Primera película de Woody Allen, fue escrita, dirigida y protagonizada por él. Elaboro este proyecto para ser filmada como una especie de documental sobre la vida de un torpe criminal de nombre Virgil Starkwell. El largometraje nos presenta la foto de un inocente bebe, mientras que una voz en off da un recuento de todo su historial criminal, creando una especia de contraste entre ambos recursos fílmicos. Es curioso que la fecha de nacimiento del personaje coincide con la de Allen, además de la descripción de la personalidad; dejaría entre ver que es un documental autobiográfico pero es solo el inicio porque después de esa parte de la película todo es comedia y ficción. Es la combinación de un falso documental y  la comedia, la seriedad del documental para crear en el público una sensación de veracidad a las peripecias que pasa el protagonista. Utiliza la comedia para burlarse de la sociedad y estereotipos que la conforman; por ejemplo la escena en donde quiere asaltar un banco pero no logra concretar el delito por culpa de la burocracia en la que esta sumergida el sistema bancario.

Se encuentran referencias a otras personalidades del cine cómico: como Charles Chaplin, Keaton, etc. Asimismo los años han convertido a la cinta, que se reía sanamente de los thrillers criminales que estaban en pleno apogeo por aquel entonces a raíz del éxito de Bonnie & Clyde (1967).

Los cuatrocientos golpes (1959) - François Truffaut

Comentario:

Fue la opera prima del director francés, la cual narra la vida de Antoine Doinel, un niño con muchos problemas para la edad que tiene: su madre no lo quiere y su padre hace todo lo posible por entenderlo pero termina por sentir lo mismo luego de que Antoine y su mejor amigo comiencen a hacer travesuras; por último, su maestro no lo tolera. Esta falta de atención hace que el niño se vuelva desobediente en su hogar y en el colegio. Uno de los sucesos que marco su desafortunada vida a la delincuencia fue el ver a su madre con otro hombre besándose. A través de los problemas afrentados por el niño de 13 años, Truffaut critica la sociedad francesa de esa época, en particular la educación por parte de la familia y el colegio. Todas las escenas son acompañadas por melodías tristes, que transmiten al público los altibajos que sufre en la vida Antoine.

Los críticos dicen que “los cuatrocientos golpes” es una autobiografía del director, puesto que el personaje guarda las mismas ansiedades de libertad y justicia, acompañado con una rebeldía particular, además de las mismas condiciones familiares en las que creció Truffaut, por ejemplo la falta de una imagen paterna y el haber crecido con su mama.

La soga (1948) – Alfred Hitchcock

Comentario:

Este film inicia con la imagen la rutina diaria de un apacible vecindario, cuando  un repentino giro de cámara nos lleva hacia una ventana cerrada; con el propósito de preparar nuestra atención y colocarnos en frente de un escenario asesinato de una persona a cargo de dos amigos, crimen que no es mostrado completamente, como rememorando al antiguo teatro griego; debe ser porque esta película fue escrita en principio para una obra de teatro. Por otro lado, la película hace pensar al espectador que el crimen perpetuado en el film es parte de un juego siniestro, el cual presencia y participa de algún modo en cada etapa del insano proyecto de estos dos personajes.

Además podemos ser testigos de las innovaciones realizadas por el cineasta dentro de su filmografía: primero, la grabación a color de la película completamente, por ese motivo Hitchcock experimenta con la iluminación, probando su gran conocimiento en el tema; y el uso del plano secuencia, la espalda de uno de los personajes para cerrar objetivo y luego seguir a partir de ahí, lo cual permite abandonar la mayoría de las técnicas normales de rodaje para permitir largas escenas continuas. La imagen de fondo en la cual podemos ver los edificios del Empire State y el Chrysler, funciona como un reloj gigante, permitiendo al espectador ubicarse temporalmente en el transcurso de la película. 

Tiempos modernos (1936) - Charles Chaplin

Comentario:

Es director aborda de forma detallada el aspecto social de la época. Valiéndose del uso del cine mudo en blanco y negro, con un claro mensaje: una crítica al creciente sistema capitalista de esos días. Muestra el trabajo mecanizado, la producción en cadena, los bajos salarios, el estrés, el hambre, la injusticia social que vive la población, principalmente la clase baja de Estados Unidos. El inicio de la película nos muestra la vida de un obrero de fábrica que vive en plena depresión económica de 1929. La desesperación por empleo, como muestra la película, generaba largas filas para conseguir un cupo en las fábricas. La película está llena de analogías que son utilizados para realizar unas comparaciones dentro del filme; por ejemplo, a los obreros con un rebaño de ovejas que sigue a su pastor, el pastor se podría interpretar como el capitalismo. Los obreros que afortunadamente consiguen un cupo dentro de la fábrica, trabajaban como verdaderas máquinas, muchos de ellos a causa del estrés, o del cansancio físico y psicológico, terminaban con ataques de nervios, como muestra la escena en que Charles, de tanto apretar tuercas, terminó desequilibrado mentalmente.

La comedia es la mejor forma de expresar una crítica social, quitarle la crudeza de las escenas que componen la película. Un cine sonoro y expresivo. Pero no pueden escuchar  diálogos entre los personajes; Sólo algunas simples expresiones, las cuales han sido interpretaciones que los espectadores han hecho, viendo las escenas de esta película.